Painting with light & color with Robert Kondo & Dice Tsutsumi. Week 3.


And back to color. I started by painting my first work in this course from natural and this is when I realised the big difference. It´s the first image, a still life of my desktop. Materials: transparent (glass), opaque (cardboard box) and semi reflectant (lamp). I had a lot of trouble with this one. I´m a color blind (awful and unaccurate word) so when hues are similar and with low saturation of color I suffer a little bit.

This still life was pretty hard for me and I found the result very poor, but the good thing is that at that point I had already accepted that I was most probably going to do a few shitty paintings so I was open for that to happen… as it did… few times jajajajaja… I found this one of the breaking points I went through during the course. Take my word: acceptance of doing some really bad works is useful and it´s gonna save you a lot of suffering. Same thing works the other way, great success shouldn´t concern you a lot neither.

Here are my paintings.


See the difference? Color look more accurate from photo reference, looks better but you learn way too less.


I like the floor in this one below.


I have to say that I don´t use the dropper tool when I work from photo and I put a lot of effort in trying to hit the right colors. In that sense I think I did a good job on the one below.


I think those two last look pretty good and in the last one there is this sense of lighting I like a lot.






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Painting with light & color with Robert Kondo & Dice Tsutsumi. Week 2.

Value simplification.

So in this week we needed to start the work by only painting 3 values, save this first step and then moving on and finish it. Greyscale: darkest dark, lighter light and predominant value. The spirit for this exercise is rule number one in art: go from general to particular.

I think simplicity is one of the most important thing I seek in life in general and so I do the same in artwork. I´m always looking forward to it in my own work and love to see that in others. For me it´s all about comunicating and connecting with others.

As I grow as an artist I tend to pay more atention to what I am trying to say and I´m less worryied about myself. This exercise is fastastic for stablishing the painting in the firsts minutes of work: both elements and lighting. It´s more difficult to do when you´re not painting from natural (or photo) and you need to imagine everything. I don´t know how is it for you guys, but for me, when I´m working from my head, I need to construct the image. Doesn´t work like I already have one in my head and then I struggle to transfer it to the canvas. Works more like I have an idea (which is a lot), then I start by putting the most important elements, I often try different options, look for references and from that point I need to construct, work, put something here, something there and somewhen near by the end I start putting off many of the elements I first added and try to keep only the essential.

Lasso tool guys, use it, you won´t depend so much on your stroke wich is something that make us lose a lot of time.

I was publishing in our fb course page since the begining and in this week I decided to design a master page for the presentations. I recommend you to do it since the beggining, it will save you a lot of time too.

These are still made from photo reference.


This is the entrance hall of where I used to live at the time.


The window I had in my room. It was pretty dark.


I made this composition with objects I found in the living room. The bowl with little stones in it was a challange ´cause painting a repetition of many individual things always is. I remember this came out pretty easily and Dice commented possitively on this particular one. When it´s comming out naturally it´s always a good thing.


I liked this one, the floor and the windows were a challenge. Somewhere near by my house.


The grid on the floor and the texture on it killed me, but at least is represented in the painting. Lasso tool was on fire at this point. I found this on the street, didn´t touch anything.

Until next week, see ya!





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Painting with light & color with Robert Kondo & Dice Tsutsumi. Week 1.

So with no further delay I would like to start sharing with you my experience through the schoolism classes: Painting with light & color with Robert Kondo & Dice Tsutsumi.

For the next 9 weeks I´ll show you my weekly assigments and I´ll do my best to bring interesting information as well as sharing my own experiences. I swear I´m not beeing paid for this hahahahaha… I just had a great time and I think this might be helpful for someone who is thinking about taking this classes, or those who are already taking them, anybody, I don´t know… seriously, seek for your own studies, go on an take some lessons! Painting better is not going to do you no wrong!

The first time I heard of schoolism was 2015 and they were running a kickstarter. I was working in an animation studio at Barcelona and didn´t really had a lot of free time but I didn´t think twice when I saw that Robert & Dice were gonna be teaching an online course. So I just backed it up. It was already running over half a million CA$ so it was gonna be a reality no matter what. I think I paid around 150 CA$ for a year subscription and I that allowed me to do as many courses as I wanted for the price of 1 CA$ (yey!), but the sad truth is that I spent like 9 months in doing my 9 week course and I started after 2 months so I ended doing only this one (buuuuh).

Ok, so now I´m at week 1 and I can start. The first thing I notice is that these two guys are taking this seriously: they speak clear and they´re organized, they make demos and they´re not keeping secrets; they give you some wonderful brushes (a Tonko House set) and your assignments well prepeared in layers in a psd file with instructions on how to do the work and deliver it properly. Also they invite you to join their fb page for this course where you find a wonderful community of students like you. Not only that but also Robert & Dice, participate pretty often commenting the assignments and making possitive critics. I tell you, it´s an amazing thing checking on fb and finding you have comments on your work from any of these two artists.

It´s time to work. I didn´t have a laptop at the time so I had to paint from photo reference instead of doing it from life. I took the pictures myself but anyway I found later that there´s a big difference between the two ways of working and I ended up regretting not starting working from life since the beginning.

These paintings below started being 6 hours each, more or less. I put my attention into timming too and work hard on that to the point in wich I made them into a 3 to 4 hours of work each… but not on that 1st week.

Although I can see my mistakes clearly now, at the time I felt truly wondered with the ressaults since I had to work in a realistic way wich was not my usual way at all. I remember I was feeling highly motivated and happy at the time.

This were made around feb-march 2016.


I felt specially proud of this one (over) and I still do.


Some of the elemments are missing in this one (like the grille).


Here you can see the laso tool on the edges of the cup on the left. Laso tool is extremely important in this course and you´re gonna understand why the moment you start using it.


When I got to this one I was exhausted.



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Galgui. Semanas III a VI: diseño del libro.

Y Galgui sigue avanzando, despacito pero avanzando. Aqui tenéis un collage del trabajo de las últimas 4 semanas. Que qué es lo que véis? Os explico:

1. Tamaño del folio.

Establecer un formato o tamaño del libro está estrechamente relacionado con el presupuesto. La última entrega habla de esto. Por qué? Sobre todo porque las cajas en las que se transportan los ejemplares tienen un tamaño preestablecido y los libros tienen que caber dentro, cuantos más mejor. Asi que las semanas 3 y 4 estuvieron dedicadas a esta labor: el menguao mediando entre la imprenta y la autora. La mayor complicación fue entender perfectamente la tabla de precios que ofrece la imprenta y que está en inglés. Por lo demás fueron muy amables a la hora de explicar todo lo que fue necesario.

2. Diseño de pliegos: cuadernillos.

Consiste en establecer el número de cuadernillos (conjunto de pliegos cosidos entre si) que iba a tener el libro. Esto va a determinar también el número de páginas dedicadas a convenciones: frontispicio, página legal, anteportada, portada, agradecimientos, etc. En este caso Galgui incluirá un frontispicio, la página legal, la portada, una página en blanco de cortesía antes del libro en si mismo y tras él, un par de páginas en blanco más de cortesía y una ilustración de despedida (éste último término me lo saco yo de la manga, es como un frontispicio pero al final). El libro estará compuesto por 4 cuadernillos de tres pliegos cada uno.

3. Composición del libro.

Es cómo van situadas las páginas en el libro y ayuda a visualizar el conjunto, por ejemplo dónde van a caer las páginas dobles en función de los pliegos. Siempre quedará mejor cuando sea una página doble real, es decir, una cuya página de la izquierda y de la derecha pertenezcan al mismo pliego. Según este diseño de pliegos yo puedo preveer que tengo páginas dobles reales en las 6-7, 18-19, 30-31 y 42-43. Si el texto lo permite ahi irán ilustraciones a doble página.

4. Tipografía.

Todavía no hemos cerrado esta parte. Bueno, la tipografía que hemos elegido es la Adobe Caslon Pro, eso seguro, lo que está por decidir es si usamos un tamaño de letra 12 ó un 11,5 o 12,5, no creo que necesitemos ni más ni menos, ésa es nuestra franja. También otra duda que tengo es si usar o no rejilla. En la facultad aprendí que ésta sirve para que al transparentarse el texto de una página a otra pise al texto que hay debajo, de forma que la mancha no nos moleste al leer. Pero éste es un aprendizaje aplicado al libro convencional, no al ilustrado. La verdad es que sería fantástico poder hacer una prueba impresa para ver si realmente el texto se transparenta porque en caso de no hacerlo me parece más orgánico y que da un mancha más bonita usar distintos interlineados, por ejemplo entre párrafos.

5. Bocetos.

Me he dado cuenta (soy un genio) de que el protagonista de este libro es un animal, un perro. Y la verdad es que tengo facilidad para dibujar personas pero un perro es otra cosa. Va a ser un reto ilustrarlo en la línea de diseño del resto de personajes, y sobre todo hacer que se comporte como un perro. No quiero hacer un perro “humanizado”, quiero que Galgui sea un perro de verdad y voy a tener que centrar su expresividad en su lenguaje corporal y no tanto en las expresiones de su cara. Como digo va a ser un reto.

(6) Gestión de color.

Un día dedicaré una sección completa para explicar de qué trata el tema más en profundidad. Como adelanto diré que los colores que vemos en nuestro monitor son únicamente los que es capaz de mostrarnos nuestro monitor y el de cada cual es distinto. Desde luego no son los que saldrán en el ejemplar impreso si no nos cuidamos de que asi sea. Las pantallas trabajan con colores luz: RGB y la impresión se lleva a cabo con colores pigmento: CMYK, hasta aqui nada nuevo, no? Pues por qué le cuesta tanto a la gente comprender que el paso de un sistema de color a otro hay que hacerlo uno mismo? que no es algo automático. Como digo, un día haremos una pequeña clase sobre el tema.

No es que yo sea un experto pero voy a tener que ponerme las pilas para poder llevar a cabo el libro asi que aprovecharé para compartir conocimientos cuando llegue el momento. Hasta ahora he dado solamente un par de clases en la facultad y he asistido a algún curso por mi cuenta. Es un tema resbaladizo por el desconocimiento generalizado que hay y porque, también hay que decirlo, no es algo sencillo. Los fotógrafos suelen tener algunas nociones y hay gente que se dedica específicamente a eso. Por ejemplo, Cristina Durán ha sido compañera de estudio durante un año y a parte ser una magnífica fotógrafa se dedica profesionalmente a esta parte del proceso de la fotografía. No entiéndo por qué los ilustradores no nos interesamos tanto por este tema, me parece fundamental.

Por lo pronto he dejado caer la bomba en la imprenta y ha causado incertidumbre. Parece ser que no tienen del todo claro de qué trata el tema… sorpresaaaaaaaaaaa…

Volviendo al proceso de creación del libro, una vez en este punto, ya puedo calzar el texto en las páginas que les correspode y ver el espacio que tengo para ilustrar.

Ahora empieza lo bueno. Siguiente parada? color? diseño de personajes? Honestamente, tengo la duda.

PD: Normalmente este trabajo no costaría tres semanas, tengo que aclarar que el menguao no es diseñador, pero en esta vida hay que hacer de todo para sobrevivir. Eso sí, me ha encantado la experiencia por todo lo aprendido o mejor dicho, por poder poner por fin en práctica todas estas cosas que aprendí hace años. Mis más sinceros gradecimientos a Chema Ribagorda, mi profesor de diseño I en la facultad (durante dos años!) y responsable de que nunca volviera a ver un libro con los mismos ojos. Me encantaron sus clases, tanto que repetí! Un día haré una entrada con los trabajos que saqué de sus clases.


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Cuadernos de viaje: Galicia

Algunos apuntes del natural de estos días que he pasado en Galicia, han sido una pasada! Qué bonita es Galicia! Podría haber sacado 20 dibujos más… pero ya no hubiera sido vacaciones.

Una de las cosas buenas de ser dibujante es poder ilustrar tus propios cuadernos de viaje, si se te queda sin batería la cámara (cosa que ocurrió) siempre puedes sacar tu bloc de dibujo y un boli.

Es de las cosas que más disfruto, un añadido al ya de por si agradecido arte de viajar.

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